World Cinema 7

Amén - "Kim Ki-duk se aleja de sus grandes obras en este desconcertante viaje por Europa"

Kim Ki-duk sorprende con Amén

Lo más arriesgado que han hecho los programadores del Festival Cine-On en esta edición ha sido, sin duda, incluir en la Sección Oficial Amén, uno de los últimos trabajos del director surcoreano Kim Ki-duk, un maestro al que la mayoría de los cinéfilos aman pero que descolocó (y mucho) con este trabajo. Las primeras críticas no fueron nada alentadoras, se hablaba del peor trabajo del realizador, y muchos fans intentaron prolongar su visionado, pero como en cualquier situación había tanto detractores como defensores, y hubo quien la apoyó alegando que se trataba de uno de los trabajos más personales y artísticos del oriental. Amén llegó cuando KKD ya era en un icono del (gran) cine procedente de Corea del Sur, un hombre que ha demostrado con filmes Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera o Hierro 3 que el cine oriental tiene muchísimo que ofrecer, y que para hacer obras maestras basta con saber tratar una historia, y Kim Ki-duk sabe cómo hacerlo. El problema es que en Amén todo su talento, ese que demostró en cintas como Seom o Time, es (casi) imperceptible. Encontramos silencio, sí, como en muchas de sus obras, pero aquí todo se trata de manera tan diferente, abstracta y absurda, que cuesta prestar atención a lo que se muestra.

Kim Hye-na es la única protagonista de Amén

Amén se estrenó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián en 2011, y desde entonces nada se ha sabido de ella en nuestro país. Aún con críticas que la tildaban de “gran y aburridísima decepción” y de “delirio”, en el Festival Blogger de Cine Inédito Online se atrevieron a presentarla en la Sección principal, y aunque a muchos les haya disgustado enormemente está claro que películas así invitan al debate, agudizan nuestro lado crítico y crean mucha polémica, algo que, al fin y al cabo, siempre se agradece. De no ser por este Festival una servidora no habría descubierto esta obra de Ki-duk, y aunque el resultado haya sido bastante negativo, conocer las distintas facetas de los autores que admiramos es algo que siempre se debe hacer. Amén no será la película que se lleve la unanimidad pero sí será la que más dé de hablar en el Festival Cine-On.

Kim Ki-duk ha rodado íntegramente en Europa su nueva película. Su cámara sigue la extraña e inquietante odisea de una joven coreana que llega a París en busca de una persona a la que tiene que seguir hasta Venecia y Avignon. Un misterioso personaje que se oculta tras una máscara la sigue a todas partes y la acosa sin cesar...

Hye-na busca por Europa...

Rodada de una manera muy peculiar, el maestro surcoreano nos sorprende en Amén con un relato extraño que no conseguirá dejar impasible a nadie. De haber seguido la línea de sus primeros diez minutos, es muy probable que la película hubiera conseguido más adeptos, ya que ese tramo, aunque con evidentes fallos que dejarán atónito a más de uno (su malogrado sonido, sus movimientos de cámara, e incluso Kim Hye-na, que a pesar de la dificultad de su papel no consiguió interesarme lo más mínimo…), podría haber sido interpretado por algunos espectadores como una metáfora sobre la búsqueda incansable y frustrada de nuestra identidad que emprendemos día a día. Pero esa idea se diluye cuando el filme, aun manteniendo esa atmósfera de desolación que se palpa durante toda la cinta, divaga y se vuelve incoherente, con personajes muy mal definidos y escenas que no se sabe muy bien por dónde pillarlas. El montaje, el sonido y la manera en que el director decide desarrollar la historia son tema aparte. Es innegable que Kim Ki-duk ha hecho algo diferente, muy cercano a la realización amateur, casera pero que, por todo lo comentado anteriormente, está destinada al olvido. Porque además de la historia que nos ofrece, tan difusa como insulsa, la misma grabación, con escenas en las que se escuchan interferencias y el continuo movimiento de la cámara, aunque para algunos sea signo de realismo, para otros será tremendamente molesto.

Muchos espectadores considerarán imposible conectar con la historia de Amén y otros entrarán en ella desde el minuto uno. Es evidente que Kim Ki-duk se ha alejado del cine que conocemos, ha hecho lo que ha querido, no ha seguido pautas, se ha dejado llevar, pero eso no siempre da buenos resultados… Amén será considerada por muchos la película “negra” de KKD y otros la pondrán en un pedestal, junto a sus obras maestras, pero lo que está claro es que llamará al debate no sólo ahora, sino siempre.

Lo mejor: Es el mejor ejemplo de cómo una película puede crear un (gran) debate.

Lo peor: Se le puede atragantar con facilidad a cualquiera…

Catfish - "Una historia intrigante y conmovedora"

Yaniv Schulman es el protagonista de Catfish

Una de las películas que más interés ha suscitado de la Sección Oficial del Festival Cine-On ha sido Catfish. El éxito de esta producción tuvo como resultado el estreno del programa Catfish: Mentiras en la red, el reality de MTV que tantos fans ha cosechado durante estos últimos años. Es muy probable que la mayor parte de los espectadores hayan conocido antes el show televisivo que la película que lo inspiró, para ellos el grado de sorpresa será muchísimo menor, pero para todos los demás, para aquellos que no tienen ni idea de cuál es la base del programa, cómo se desarrolla o qué intenta transmitir, aunque sabrán hacia donde se dirige la película según avanza, Catfish les sorprenderá muy gratamente en todos los sentidos. Los programadores del Festival Cine-On pensaron en ello, y dada la notoriedad que ha alcanzado el programa de televisión en nuestro país, su elección como película en la SO es, sin duda, uno de los mayores aciertos de la edición (aunque la película se puede adquirir en DVD desde el 10 de abril).

Primer filme de Henry Joost y Ariel Schulman

Catfish fue la ópera prima de Henry Joost y Ariel Schulman, y desde su estreno en 2010 no se han despegado del (falso) documental, habiendo dirigido en los últimos años la tercera y cuarta secuela de Paranormal Activity. Ariel es el hermano del protagonista de Catfish, Yaniv Schulman, quien además de fotógrafo, a raíz del estreno de este documental, se ha convertido en el anfitrión y productor ejecutivo de la serie de MTV. La curiosidad será el principal motivo por el cual los espectadores que ya conocen el programa verán el largometraje, y también lo será para aquellos que tengan un conocimiento ínfimo de todo lo relativo a este show, ya que querrán saber cuál es el motivo de su fama. Este interés por saber qué ocurrirá (además del montaje y el magnífico desarrollo de la historia) será lo que hará que el visionado de Catfish se convierta en algo realmente ameno e interesante. Como considero que se trata de una gran película pero no un gran documental analizaré la cinta desde el punto de vista cinematográfico.

Nev, un fotógrafo de 24 años que reside en Nueva York, es contactado un día por Abby, una niña de 8 años que vive en el Michigan rural, que le pide permiso, a través de MySpace, para pintar una de sus fotografías. Cuando Nev recibe el cuadro de la niña, que resulta ser fantástico, éste empieza una amistad con la familia de Abby. Con el tiempo, esta amistad se convierte en algo más cuando Nev desarrolla un romance con Megan, la hermana mayor de la niña. Impulsado por algunas revelaciones sorprendentes acerca de Megan, Nev y sus amigos se embarcan en un viaje por carretera en busca de la verdad.

Nev va descubriendo la verdad

La historia de Catfish está tan bien estructurada que es realmente difícil no entrar en ella. Bien es cierto que para muchos esta esquematización tan perfecta resultará sospechosa, y por ello será relativamente fácil cuestionarse la veracidad de la historia, pero lo que no se puede negar es que Catfish es una buena película ya que, en conjunto, es tan redonda que su consumo se convierte en una delicia. Desde el primer minuto caminamos, chateamos y sentimos lo mismo que Nev (Yaniv Schulman), conocemos (o creemos conocer) a las personas tal y como lo hace él, nos dejamos llevar por sus conversaciones, por su inocencia, y, como él, no cuestionamos nada. Permanecemos inmersos en el universo de Catfish. El filme te maneja de la misma manera en que son manejados sus protagonistas. A medida que avanza, el largometraje deja caer una reflexión inevitable: ¿cuál es el límite de confianza en la Red? ¿Cuánto y de qué modo se debe sincerar el usuario? ¿Realmente somos tan fáciles de manipular? Cada uno encontrará su propia respuesta después de ver el largometraje.

A pesar de todo, la parte final de Catfish es la que más dará que hablar al espectador. Angela, la madre de Abby, quien refleja fragmentos de su vida, de su personalidad y de sus sueños perdidos en sus (cuestionables) actividades en las redes sociales, es la piedra angular de la cinta, en torno a ella se crea el debate más interesante que deja caer el filme de Joost y Schulman, la eterna discusión sobre lo que está bien y lo que no: ¿hasta qué punto está mal que alguien con una vida tan difícil se refugie en la infinidad de posibilidades que ofrece Internet y los perfiles sociales? Está claro que las consecuencias pueden ser desastrosas, pero como dice el padre de Abby, Vincent, en la cinta: “es bueno que alguien te mantenga alerta en la vida”.

En conclusión, el tratamiento de la historia es el mayor acierto de este filme, y si hubiera que destacar algo más sería la interpretación (llamemoslo así) de Yaniv. Un relato poco fiable pero tremendamente emocionante y sincero, simple pero atrayante. Consigue crear suspense de situaciones cotidianas. Catfish es un escaparate sobre las emociones y relaciones humanas y la manera en que éstas pueden salir a la luz. Sin duda, no dejará impasible a nadie...

Lo mejor: Consigue atrapar al espectador al instante. Está perfectamente narrada.

Lo peor: Como documental deja mucho que desear.

Safety Not Guaranteed - "Una película pequeña pero entrañable"

Como ya os anunciamos anteriormente, World Cinema 7 participa como Jurado de la Sección Oficial de la primera edición del Festival Cine-On. Intentaré publicar una crítica de todas las películas que se proyecten durante estos 32 días. De momento hoy comenzamos con el filme que ha dado el pistoletazo de salida del I Festival Blogger de Cine Inédito, la cinta inaugural: Safety Not Guaranteed.

Un trío de periodistas de película...

A pesar de que Safety Not Guaranteed triunfó en varios festivales de cine independiente el pasado año, en España sólo se pudo ver en El Artistic Metropol durante una semana y en el Festival de Sitges 2012. Aunque es evidente que no se trata de una cinta extraordinaria, Safety Not Guaranteed cuenta con los ingredientes necesarios para conseguir atraer a cierto público y dejarle boquiabierto, ya sea por Aubrey Plaza, Mark Duplass o por la temática. La distribución siempre es y será el mayor enemigo del cine independiente, predestinado a los circuitos festivaleros, y que si tiene suerte conseguirá traspasar alguna que otra frontera. La ópera prima de Colin Trevorrow, que se alzó con el galardón al Mejor guión novel en los Independent Spirit Awards y al Mejor guión en Sundance, no ha corrido esa suerte, pero no porque no se lo merezca. Sí ha conseguido cierta repercusión entre los cinéfilos más curiosos, y es que cuenta con detalles que la hacen muy destacable. Ahora gracias al Festival Cine-On muchos la hemos descubierto y lo cierto es que Trevorrow ha logrado dejar satisfecho a la mayor parte del respetable sin haber creado el filme (indie) que todo el mundo recordará en el futuro.

Plaza en acción

Ver Safety Not Guaranteed con la intención de disfrutar de una cinta de ciencia-ficción con viajes en el tiempo incluidos es un fallo garrafal. Bien es cierto que para los fans de Duplass, quien desde que apareció por primera vez en The Puffy Chair (Jay Duplass, Mark Duplass, 2005) no ha parado de dejarse caer por filmes independientes (Greenberg* (Noah Baumbach, 2010) el más destacable), él será el principal aliciente para ver el filme, y su interpretación les dejará más que satisfechos, ya que él es lo mejor del largometraje. Pero no se trata ni de una película de ciencia-ficción (en el sentido puro del término), ni un filme para lucimiento de su principal “estrella”, se trata de una pequeña película que gira en torno a la indecisión y al amor, que está hecha de una manera tan sencilla que termina por encandilarte, por llamar tu atención. Aunque en algunos momentos peque de monótona lo cierto es que no se puede negar que Safety Not Guaranteed no tenga corazón.

Un trío de empleados de una revista de investigación descubre un anuncio clasificado donde se busca un socio para viajar en el tiempo. Uno de los empleados desarrolla sentimientos por el paranoico pero atractivo solitario y trata de descubrir lo que realmente está haciendo…

Fantástica química entre Duplass y Plaza

Safety Not Guaranteed es el claro ejemplo de cómo un buen guión puede conseguir que nos olvidemos de si una película está hecha con unos miles o con unos millones de dólares. En este cine lo importante es cómo cuentas la historia, cómo atrapas con una puesta en escena sencilla y unas interpretaciones cercanas y reales. El filme de Colin Trevorrow consigue todo eso moviéndose entre el drama romántico y la comedia (negra) (“¿Qué pasa si es un asesino? Que será una historia mucho mejor”, dice Kenneth Calloway, el personaje de Jake Johnson, en una escena), siempre con el halo de la sci-fi merodeando por el pensamiento del espectador. Desde el principio Safety Not Guaranteed juega con la curiosidad del público, que siente las mismas ganas que el trío de periodistas por descubrir qué ocurre, y en ese punto es donde se apoya el filme para conseguir entretener, con una primera parte brillante y momentos realmente divertidos (la charla entre Darius (Aubrey Plaza) y su padre, en la que éste le reprocha que esté deprimida y sea virgen, o la secuencia del robo). A medida que la cinta avanza nos encontramos con el verdadero eje argumental: el amor. El amor fruto de la soledad, de la desconfianza, de la inseguridad, de la locura… El amor como la mayor aventura de la vida.

La química entre Duplass y Plaza, la brillante banda sonora y la originalidad del relato (con una parte final entrañable a la vez que espectacular) convierten a Safety Not Guaranteed en uno de los filmes indies a reivindicar de los últimos años. Obviamente tiene fallos, la historia del despertar sexual del tercer periodista en discordia, y la de Jake Johnson y su ex-pareja, se tratan de una manera tan superficial y rápida que casi hubiera sido preferible centrar la atención en otros asuntos… Pero aún así aportan algo al largometraje que en conjunto llega a funcionar.

Safety Not Guaranteed es cine sin artificios, sincero y que llega al espectador sin demasiada dificultad. Viendo la cinta de Trevorrow muchos nos preguntaremos adónde iríamos si pudiéramos viajar en el tiempo, con quién y por qué razón, y, como ocurre en la película, también nos cuestionaríamos nuestra propia cordura. Trevorrow se preocupa por dar forma a sus personajes y contar de forma simpática su historia, no se recrea en nada, ni apuesta en exceso por nada, y eso es lo que la hace grande. Un relato sobre la constancia y la lucha por los sueños que casi sin querer dejará una sonrisa en el espectador al terminar su visionado.

Lo mejor: Su manera de desarrollar la historia, su sencillez y cercanía.

Lo peor: Las historias secundarias.

Nota: 7,5/10

Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird) - "Una experiencia inolvidable para todo seguidor del Séptimo Arte"

Un fantástico drama judicial y social

En apenas cinco años el mundo del cine asistió hace décadas al despertar de uno de los (sub)géneros más difíciles e inexplorados de los que existen. Entre 1957 y 1962 no sólo se estrenaron los mejores dramas judiciales que se han hecho en los más de cien años de historia del cine, sino que presenciamos la consolidación de autores (como Sidney Lumet) y la consagración de actores (como Gregory Peck o James Stewart). En 1957 dos películas de este tipo coincidieron en los cines, una de ellas fue un fracaso en taquilla y la otra se llevó todos los halagos posibles. La primera, 12 hombres sin piedad*, hizo que el nombre de Lumet quedase grabado en la memoria de todos los amantes de este arte para siempre, ya que a pesar del escaso interés que despertó la cinta en su año de estreno, con el paso del tiempo ha conseguido cautivar del mismo modo en que lo hizo el filme del maestro Billy Wilder. 12 Angry Men fue su ópera prima, un drama muy intenso y soberbiamente dirigido (en un solo escenario) en el que la tensión que existía entre los protagonistas conseguía traspasar la pantalla. El otro largometraje del 57, que sí vivió su época de esplendor entonces, fue Testigo de cargo, del ya mencionado Wilder. Un director que ya había logrado todo en su carrera pero que aún así volvió a demostrar con Witness for the Prosecution por qué es considerado uno de los realizadores más sobresalientes de la historia. Magnífico final como colofón a una de las películas más jugosas y emocionantes de la década de los 50.

Otras dos cintas sublimes llegaron a los cines de todo el mundo durante ese lustro. Ambas de una calidad incuestionable pero totalmente diferentes en cuanto a temática. Anatomía de un asesinato (1959) y ¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg)* (1961) corroboraron el grandísimo momento que estaba atravesando este género. Una centrada en el nazismo y dirigida por el mejor artífice de dramas judiciales en la gran pantalla, Stanley Kramer, y otra creada para lucimiento de un maravilloso James Stewart por parte de un inspiradísimo Otto Preminger. Las dos películas se sirven de los tribunales de justicia para desarrollar su puesta en escena, y aunque una se apoye en ellos casi en su totalidad (la de Kramer) ambas saben aprovecharlo a la perfección, consiguiendo que el espectador no desconecte y mantenga sus ojos siempre fijos en la pantalla.

Gregory Peck en su mejor papel

Matar a un ruiseñor puso fin a esa época de grandeza que vivió el cine judicial en los años 50 y 60. Quizá la película de Mulligan no sea en esencia el mejor largometraje sobre este tema que se filmó en este intenso periodo, ya que algunos preferirán considerarla un drama social antes que un filme meramente jurídico, pero sin duda, tiene todos los elementos y cumple todos los requisitos para tenerla en consideración cuando se hable de este (sub)género. To Kill a Mockingbird fue la primera gran película de Robert Mulligan (porque a pesar de la calidad de sus películas iniciales con Tony Curtis, éstas no estuvieron a la altura de las expectativas), y también la mejor de toda su carrera. El director se arriesgó con la adaptación de la novela de Harper Lee y la jugada le salió a la perfección, ya que además ese mismo año se llevó un Oscar a Mejor guión adaptado. Gregory Peck, el actor que encarna al inolvidable Atticus Finch, llegó a esta producción siendo considerado ya uno de los mejores actores de su generación, habiendo trabajado ya, con tan solo 46 años, para grandes creadores audiovisuales como Alfred Hitchcock (Recuerda, 1945), King Vidor (Duelo al sol, 1946), William A. Wellman (Cielo amarillo, 1948), William Wyler (Vacaciones en Roma, 1953 u Horizontes de grandeza, 1958) o J. Lee Thompson (El cabo del terror, 1962) consiguiendo por esta última su único Oscar (a pesar de haber estado nominado en hasta cinco ocasiones). En Matar a un ruiseñor confluyen grandes aciertos, entre ellos el del casting y el de director, que como resultado dan lugar a un filme perfectamente ambientado, con una dirección artística magistral y una historia que cuesta olvidar.

En la época de la Gran Depresión, en una población sureña, Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado que defiende a un hombre negro acusado de haber violado a una mujer blanca. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el veredicto del jurado es tan previsible que ningún abogado aceptaría el caso, excepto Atticus Finch, el ciudadano más respetable de la ciudad. Su compasiva y valiente defensa de un inocente le granjea enemistades, pero le otorga el respeto y la admiración de sus dos hijos, huérfanos de madre.

El mejor padre de cine

"Nadie tenía prisa porque no había adonde ir ni qué comprar. Ni siquiera dinero para comprarlo. Aunque evidentemente, se había dicho del condado de Macon, que no debía tener miedo mas que de su propio miedo". Así comienza Matar a un ruiseñor, con la voz en off de una Scout adulta, y con la Gran Depresión siempre de fondo. En la primera parte de la cinta de Mulligan el entorno rural juega un papel clave, ya que de todas las secuencias emanaba esa atmósfera de simpleza y cercanía que sólo existe en este ambiente. En este segmento de la cinta es donde conocemos a los personajes, donde comenzamos a sentir empatía por Atticus, ese hombre que, con entereza, lucha por sacar adelante a sus hijos ante la ausencia de la figura materna, y decidimos acompañar a Scout, su hermano Jem y "Tití" Harris en las aventuras veraniegas que corren aprovechándose de la siniestralidad de la casa de los Radley. En To Kill a Mockingbird la diferenciación social (ya no sólo racial) tiene un grandísimo peso, por eso algunos personajes, como "Tití", se pueden interpretar como una antítesis de, por ejemplo, la familia Cunningham (que se ve obligada a pagar a Atticus en especias).

Escenas intensísimas

Hacia la mitad del largometraje la película pasa de tocar el modo de vida sureño a centrarse en la problemática racial, es entonces cuando el filme alcanza sus momentos de mayor intensidad, como en la larguísima pero excelente secuencia del juicio, que pondrá de los nervios a más de uno, o en las que los hombres, capitaneados por el padre de los Cunningham, intentan entrar en la cárcel para vengarse de Tom Robinson, el negro acusado de violación, cuyo silencio es capaz de erizar el vello. Una película sobre la injusticia, el coraje y la compasión pero en la que destaca por encima de todo la metáfora que Mulligan hace (suponemos que basándose en la novela) entre el ruiseñor y no sólo Tom Robinson, sino también Boo Radley, el ser tan temido por todos los habitantes de Macon, y que da lugar a una reflexión moral que el público no debe evitar (“Nunca llegarás a comprender a una persona hasta que no veas las cosas desde su punto de vista”, decía Atticus a su hija). Además la película de Mulligan puede presumir de tener una magnífica banda sonora y una espléndida fotografía, ambas con nominación al Oscar incluida.

El problema es que Matar a un ruiseñor se estrenó en un año muy completo. En 1962 Lawrence de Arabia arrasó en los Oscar y otras películas como ¿Qué fue de Baby Jane?*, El hombre de Alcatraz o Días de vino y rosas (película por la cual Jack Lemmon habría ganado el Oscar de no ser por la presencia de Peck), también coincidieron en su (año de) estreno.

Matar a un ruiseñor no cae en la sensiblería a pesar de contar un tema que bien podría haber jugado fácilmente con los sentimientos del espectador, pero el largometraje se contiene, no sólo desde el punto de vista argumental sino también en sus actuaciones, aportando una dosis de realismo que la convierten en una de las mejores películas de la historia del cine y cuyo visionado es una experiencia inolvidable para todo seguidor del Séptimo Arte.

Lo mejor: Pocas veces se cuentan historias tan perfectas en el cine. Y Gregory Peck, sin duda su mejor interpretación.

Lo peor: Nada.

Nota: 9,5/10

Lo mejor y lo peor del Atlántida Film Fest 2013 según WorldCinema7

Aunque ha pasado mucho tiempo desde que finalizase el Atlántida Film Fest (22 de abril), es ahora cuando WorldCinema7 os puede ofrecer una pequeña opinión de la película que más le gusto y de la que menos... El Festival contó con la presencia de autores como Jonás Trueba, Michael Gondry y Marco Berger. Recordamos que esta edición del Festival online tuvo como ganadora a la mexicana Después de Lucía.

The We and the I

Lo mejor: Michel Gondry no entiende de géneros. En su trayectoria como director ha pasado de dirigir dramas románticos y extraordinarios como Eternal Sunshine of the Spotless Mind, a cintas anodinas de superhéroes como The Green Hornet, hasta llegar a esta película sobre adolescentes que con gran sencillez consigue transmitir todo lo que pretende. Se trata de The We and the I. La vi justo después de disfrutar de Kids (Larry Clark, 1995), el mejor filme rodado sobre el despertar sexual (desmedido pero real) de los jóvenes, y la sensación de abatimiento que me dejó la primera fue pisoteada de nuevo por el largometraje de Gondry. En un reducido espacio la película consigue retratar con gran acierto los problemas más básicos (pero a la vez más complejos) que la vida nos depara cuando somos adolescentes. Así, temas como el amor, la amistad, la desconfianza, el acoso, la vergüenza, la chulería y la muerte traspasan la pantalla para hacer reflexionar al espectador sobre todo ello, sobre si en realidad todo es tan sencillo como creemos. The We and the I, consigue que nos pongamos en la piel del marginado, de la chica guapa, del amigo que aparenta lo que no es y que después intenta resarcirse... Y todo lo hace desde un autobús que se convierte al mismo tiempo en refugio y cárcel para todos sus pasajeros. Sencillez visual y (aparentemente) argumental están presentes en esta cinta casi teatral que por momentos se torna atrevida y divertida y en otros dura, muy dura. Unos jóvenes del Bronx a punto de marcharse de vacaciones deben enfrentarse a dilemas que marcarán el fin de su infancia y el inicio de la madurez. Un viaje delicado que nosotros, desde el otro lado de la pantalla, emprendemos con ellos.

Lo mejor: Transmite con gran acierto todo lo que los personajes sienten.

Lo peor: La estética puede no convencer a algunos.

Nota: 7/10

Mi loco Erasmus

Lo peor: Mi loco Erasmus tiene una parte muy buena: su principio. Pero ahí queda todo. Lo que a priori parecía un jugoso y descarado relato sobre las hazañas de los estudiantes de Erasmus, que recorren las principales ciudades de nuestro país en busca de un pasatiempo totalmente opuesto al estudio, se queda en nada cuando toda la atención se centra en los intentos de Dídac Alcaraz por realizar el filme. El problema es que Mi loco Erasmus ni siquiera trata sobre eso. La realidad es que trata más de las excentricidades de un hombre que no tiene muy claro lo que aspira a crear, y que terminará por desesperar a muchos espectadores que no compartan el sentido del humor, tan absurdo y demencial a veces, que emana de gran parte de sus diálogos y silencios. Algunos verán en Dídac un ejemplo de constancia, de lucha por los sueños, pero para mí todo eso queda a años luz de lo que esta cinta me transmitió. En ningún momento me creí a Dídac. De sus 93 minutos creo que tan sólo me engancharon esos tres que sobran de hora y media, y fue la primera escena en la que Dídac muestra dibujos de lo que es el Erasmus para él. El resto es totalmente prescindible y olvidable.

Lo mejor: Los dibujos del principio.

Lo peor: Su (extraño) humor desconcertará a muchos.

Nota: 3/10

Festival Cine-On 2013

Hace pocos días llegó a mí la noticia de que se estaba preparando un Festival online centrado en el mundo Blogger. Una iniciativa que apostaba por la presentación de películas que no se habían estrenado en España y que no tenían intención de hacerlo en un futuro próximo. Tampoco habría límites, se podrían proyectar películas de todos los países, y la única condición es que tendrían que ser de 2010 en adelante. El Festival Blogger de Cine Inédito dejó de ser una ilusión a convertirse en una realidad gracias a la insistencia y el sacrificio de todos sus creadores y colaboradores. WorldCinema7 tendrá el placer de participar en esta primera edición del Festival como miembro del Jurado de la Sección Oficial, y por esa razón una servidora podrá disfrutar de (gran) cine desde el 6 de Junio al 7 de Julio: 32 días y 32 películas. Mi intención es verlas todas y ofreceros siempre que pueda opiniones de lo que vaya viendo, ¿por qué? Ya no sólo para contaros si una película vale la pena o no, sino porque creo que es necesario que se apoyen y se dé publicidad a proyectos como este. Festival Blogger de Cine Inédito ofrece la oportunidad de ver películas que, por una u otra razón, (seguramente) no podremos ver nunca en nuestro país, y nos permite ya no sólo disfrutar de ellas sino también compartir nuestra experiencia con otros amantes del cine. Un Festival que apuesta por la difusión cultural, que se ha arriesgado y ha conseguido sacar adelante un proyecto que a priori parecía utópico. Pues ya está aquí. El I Festival Cine-On está a punto de dar comienzo…

Cartel por Fabio de Minicis

Os invito a que no os limitéis únicamente a leer esta entrada (cosa que os agradezco), esta es una oportunidad fantástica para participar en algo que puede ser muy grande, algo de lo que seguramente aprenderemos y de la que muy probablemente disfrutaremos. Para que este tipo de iniciativas surjan y evolucionen es necesario que exista reciprocidad. Podéis participar con vuestros votos en el otorgamiento del Premio del Público, y además Festival Blogger de Cine Inédito guarda alguna que otra sorpresa para aquellos que actuéis de espectadores… Si estáis interesado podéis mandar un email para pedir información a info@cine-on.net.

(Las películas se presentan por orden cronológico a partir del 6 de Junio)

Además de su respectiva Sección Oficial, el Festival cuenta con Secciones muy diversas dedicadas a distintos tipos de cine. Sandra Mantas de Lost Highway Blog ha sido la encargada de seleccionar las películas de inauguración y clausura.

Inauguración:

Safety Not Guaranteed, de Colin Trevorrow - 2011 (EE.UU.)

Clausura:

Sound of My Voice, de Zal Batmanglij - 2011 (EE.UU.)

La Sección Oficial, en la que tendré el placer de participar, ha sido programada por David Amorós, también de Lost Highway Blog.

Diamond Flash, de Carlos Vermut - 2010 (España)

Catfish, de Henry Joost y Ariel Schulman - 2010 (EE.UU.)

Amen, de Kim Ki-duk - 2011 (Corea del Sur)

Retratos en un mar de mentiras, de Carlos Gaviria - 2010 (Colombia)

Au revoir Taipei, de Arvin Chen - 2010 (Taiwán)

Dark Horse, de Todd Solondz - 2011 (EE.UU.)

Paradies Liebe, de Ulrich Seidl - 2012 (Austria)

It'such a beautiful day, de Don Hertzfeldt - 2012 (EE.UU.)

The Divide, de Xavier Gens - 2011 (EE.UU.)

Essential Killing, de Jerzy Skolimowski - 2010 (Polonia)

Sangre Latina es la Sección dedicada al cine latino, y ha sido programada por Daniel Gálvez, del Blog Cine Latino.

Cartel Sangre Latina

El infierno, de Luis Estrada - 2010 (México)

Todos tus muertos, de Carlos Moreno - 2011 (Colombia)

Tropa de Élite 2, de José Padilha - 2010 (Brasil)

Aballay, de Fernando Spiner - 2010 (Argentina)

Saluda al diablo de mi parte, de Juan Felipe Orozco - 2011 (Colombia)

Hot Docs es la Sección programada por Josep Machado, de Después de 1984, y nos hará disfrutar con:

Cartel Hot Docs

Le voyage extraodinaire, de Serge Bromberg y Eric Lange - 2011 (Francia)

Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles, de Jon Foy - 2011 (EE.UU.)

Into de Abbyss, de Werner Herzog - 2011 (EE.UU.)

Tabloid, de Errol Morris - 2010 (EE.UU.)

Life in a Day, de Kevin MacDonald - 2011 (Reino Unido)

La Sección Nuevas Miradas, dedicada a óperas prima, ha sido programa por Xavi Lezcano, también del Blog Después de 1984:

Cartel Nuevas Miradas

Antiviral, de Brandon Cronenberg - 2012 (Canadá)

Kill me please, de Olias Barco - 2010 (Bélgica)

Michael, de Markus schleinzer - 2011 (Austria)

Silver Tongues, de Simon Arthur - 2011 (EE.UU.)

Teddy Bear, de Mads Matthiesen - 2012 (Dinamarca)

Sueños Orientales, la Sección dedicada al cine oriental y una de las que más interesa a WorldCinema7 (conocida tiene que ser ya nuestra afición por este tipo de cine), ha sido programada por John Prskalo, del Asia Cine.